舞台摄影所需器材及小技巧

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    一直都很懒写技术贴，吃力不讨好，加上本人才疏学浅，文字表述功夫太差，未必能讲清楚，所以大家随便看看好了。 本文由于是一些经验心得，因此较长，也懒得分上下篇，方便用得着的色友查阅！欢迎各位色友提问、欢迎指教！

舞台拍摄的常用器材

    如果用消费级DC尝试过拍舞台的色友都有一种感觉：很难拍、不好掌握！以为一定要配备很多摄影器材，但其实要用到的器材是十分的简单，以胶片机为例：一台带有点测光、有高速连拍、有多重暴光的相机，一支70～200mm/2.8的变焦镜、一支够扎实的脚架和足量的400度和800度的高速胶卷，至于闪灯就不用带了，一是破坏现场气氛，二是不尊重演员，搞不好还会给其他观众扔香蕉皮。

    舞台摄影相比起其它方面的摄影，有许多东西是摄影师所不能控制的，例如拍摄角度、拍摄距离、灯光、色温和演员等等......因为舞台面积大而演员也是不停活动，而你基本上就只能钉死在某一位置上。为了解决拍摄距离的问题，最好就是使用70～200mm/2.8的大口径变焦镜头；舞台光的色温变化很大，尤其是现代舞，就算是用灯光型片亦难包十分准确，再加上灯光型片太贵不划算，因此最好还是选用普通日光型高速片，不过最好不要用滤片纠正色温（数码年代就没这个问题了），这样做会降低快门速度，更加得不偿失，宁愿在后期制作时再作解决。另外，我曾试用1600度的胶卷进行拍摄，虽然快门速度是有所提高，但因微粒过粗和价钱较贵而不得不改用400度和800度的胶卷。为此，只好使用一支沉重但够扎实的脚架以解决快门速度慢而可能导致的相机震动

   舞台摄影最佳的拍摄模式

    自动相机的各种功能不断完善，的确为摄影人士省去不少功夫而带来更多的乐趣。不过我在这些年拍舞台得出的经验是：对焦选用多点AI自动，测光用点测光，曝光模式则完全放弃光圈先决（A档）、快门先决（S档）和可变程序（P档）等而用手动模式（M挡），这是比较严谨的方式，不要以为很麻烦，其实用起来很简单！理由：因为通常拍舞台，基本上都是全开光圈，如果使用光圈先决（A档）意义不大，且相机容易被复杂的舞台灯光（通常都是大面积黑或大面积白）所欺骗而出错，虽然相机都有补偿钮，但使用起来很不方便；快门先决（S档）就更不可取，往往很多时因光圈数值不够而贻误了拍摄时机；可变程序（P档）同样有一个最大的问题，就是相机所选择的光圈和快门组合很多时候未必是你心目中最佳的搭配，再通过按钮改变暴光组合，时机就会白白消失，选用手动（M档）的最大好处是光圈只要固定在F2.8，那么只要控制速度盘便可完成测光，十分方便迅速。

      舞台摄影的正确暴光和准确暴光

    为了很好地表现舞台气氛，灯光师通常把灯光都搞到很复杂：面光、顶光、侧光、背光等等一起来，眼花缭乱煞是好看，但对摄影师、对胶片（或CCD）却是很大的考验，尤其是光比大的时候。那如何才能很好地表现那一刻的气氛呢？通常就算最高级的相机，它的测光系统在复杂的舞台光面前是显得很弱智、很不可靠！那该如何运用好相机的测光系统为你工作呢？这当中就涉及到一个正确暴光和准确暴光的概念。    正确暴光的方法——拍照的第一步应先用点测光测背景板的光，第二步是用点测光测演员身上的光（有条件有时间多测几个人），第三步是用点测光测演员脸上的光，然后再算一个平均值，按这个平均值来拍，得出来的照片就是一张正确暴光的片子！但这种方法我是不提倡的，原因很简单：太麻烦，测来测去，算来算去，人都跑光了，乐趣也没了，照片也没什么特色!   确暴光的方法——这个就简单很多了，摄影师根据自己想要表达的东西去进行测光，比如，我要表现脸的，我就用点测光测演员的脸，按实际读数再加1档暴光量，其他部分就不用管；如果要表现高光部分，就按点测出来的实际读数暴光就行了。这种暴光方式最能表现摄影师的意图，而且照片看起来更有立体感！是值得推荐使用的好方法！

   舞台摄影的多重暴光方式

    由于舞台表演的背景相对较暗，换成摄影行话来说就是光比大，这就为多重暴光玩特殊效果提供了很大的空间。至于多重暴光的方式则有以下两大种：    一，多重暴光加高速连拍。这种方法主要表现连贯动作，机位不移、焦距不变一气呵成！以3次暴光为例，测光方面以点测高光位，再减1/多重暴3档暴光。    二，多重暴光加位移。这种方法主要为了表达摄影师的某种主观思想或将单调的画面变得复杂化，看起来更热闹一些。这种方法使用起来就千变万化，包括机位、焦距、测光方面很多变化，要看具体情况而定！3,第3种是机位发生位移,焦距没有变化,测光则按正常!   4,第4种,机位发生位移,焦距有变化,第一次测光则按正常减1档,对焦故意脱焦先暴光一次,第二,三次测光按正常减1/3!

两个题外话： 

    一，关于现代舞的拍摄 

    舞台摄影中最富挑战性和极有趣味性的一种就是现代舞。 

    说它极富挑战性原因有三：其一是感觉，现代舞通常很难理解，编舞者大多是凭自己对外界的感知去创作来抒发胸臆。摄影者一但看不懂舞者想表达的意境，那拍摄时就很难把神髓捕捉下来；其二是测光，曾有人说过现代舞如果没有了舞台灯光的配合将会逊色很多。现代舞的舞台灯光设计的确比其它舞种更加变化多端，但正因如此才令到测光成了摄影者颇为头痛的事——既要找感觉又要跟随灯光的变化而不停地测光以确保曝光准确；其三是快门速度，通常现代舞为了营造更好的舞台气氛而把舞台灯光都调校得比较暗，对欣赏者而言是刚刚好，可以全身心融入其中，但对摄影者而言，在被摄主体不断地快速移动的情况下，快门速度无法提高，这也是一件令人头痛的事（玩特别效果的则另当别论）。印象最深的一次是1997年在广州友谊剧院拍澳大利亚现代舞团演出，当晚的演出真是十分之精彩，外国舞者的肢体语言让我们大开眼界、感悟极深。不过，在场几乎所有的摄影行家在将近一个小时之内，只是勉强地互相听到不足4次的快门声，以各位老大的摄影装备居然搞到面面相嘘而忍手不拍，足见其灯光之暗。 

    现代舞拍摄的挑战性必然会带来它的趣味性。因为舞者跳舞时规律性的东西不多，按原广东实验现代舞团团长杨美琦的话来说：“我们的主张是题材自由宽泛的选择；形式的无法无规，只要以新颖的独创为原则；风格或古或洋，只要是为追寻艺术真谛而沉浸。在这创作过程中永无范本、永不休止１因此，除非在拍摄前能和舞者取得良好的沟通，否则的话，光靠看演出是很难掌握到它的规律。还有一些舞是即兴创作的，如美国意象实验舞团的演出，舞者站在舞台上那一刻，他才随音乐或自己的感觉翩翩起舞，更无规律性可言。正因如此，透过相机镜头捕捉舞者的每一个感觉，会令你乐此不倦，根本不会吝啬胶卷（现在有了数码这个就更不是问题了）；而在拍摄过程中需要不停地测光和不断地改变快门速度也会大大地满足了你的拍摄欲望。
   二，现代舞的魅力 

    我认为能够真正透彻理解、看得懂现代舞的人并不多，因为它实在是很玄。其实看现代舞也无需明白它到底是想表达什么内容，每个人的人生经历、际遇都不同，当然对事物的看法也会有不同，当你静下心来看着舞者各种美妙的肢体语言一一挥洒而出，就算你无法融入舞者的情感世界，在此氛围下也很容易令自己各种的感受、想法不断纷涌而出、以致不能自已。相对于看其它演出如芭蕾舞等，看现代舞算不上是一种轻松享受，你必需反复咀嚼方能理解或体味人生。当然，这种说法未免有点儿吓人或有点儿凝重，但这种感觉却是我每次看演出时总也挥之不去的情结，这也许就是现代舞的魅力吧。